Giverny | Museum of the impressionisms | Exhibitions

Posted in Museum of impressionisms Giverny

Giverny | Museum of the impressionisms | Exhibitions
99 rue Claude Monet
27620 Giverny
Phone : 00 33 (0)2 32 51 94 65
Fax : 00 33 (0)2 32 51 94 67
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Tintamarre ! Instruments de musique dans l’Art
24 mars – 2 juillet 2017


Bonnard jeune femme au pianoPIERRE BONNARD
Jeune femme au piano. 1891
Vers 1876. Paris musée d’Orsay.
Collection particulière
© Tous droits réservés © ADAGP Paris 2017


Au temps des impressionnistes, les peintres sont des témoins et acteurs privilégiés de l’avènement d’une nouvelle musique, moderne et libérée des anciennes conventions. Leurs œuvres illustrent l’apparition de nouveaux instruments, la place grandissante de la musique dans le quotidien et les relations entre peintres et musiciens.





Manguin, la volupté de la couleur
14 juillet – 5 novembre 2017


L’amandier en fleurs
(détail) 1907.
Suisse, Collection particulière
© Tous droits réservés / Photo : Jacques Bétant © ADAGP Paris 2017


Les œuvres d’Henri Manguin expriment un bonheur de vivre et une sensualité qui lui valent d’être surnommé “le peintre voluptueux” par Apollinaire. Par ses harmonies chromatiques, cet ami d’Henri Matisse accompagne – et parfois précède – les audaces des peintres fauves avec lesquels il expose au Salon d’Automne de 1905..





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Caillebotte, Painter and Gardener
March 25 to July 03, 2016


caillebotte4-givernyGustave Caillebotte
Orchidées, 1893
Vers 1876. Paris musée d’Orsay.
Collection particulière
© Paris, Comité Caillebotte


Known for a long time as a wealthy amateur painter, collector and patron of his friends, today Gustave Caillebotte is seen as an important member of the impressionist group. Famous for his paintings inspired by the Paris of Baron Haussmann, Caillebotte also painted many garden scenes in his work.

Caillebotte painted his first studies directly from nature in his family’s property at Yerres. Later on, he acquired a property in Petit Gennevilliers, where he laid out a sumptuous garden and built a greenhouse. Like his friend Claude Monet, with whom he shared a passion for horticulture, he focused on depictions of the natural world.

At the musée des impressionnismes Giverny, about a hundred artworks in the form of paintings and drawings are brought together to reveal this aspect of his art. Exhibition organized in collaboration with the Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.



Sorolla and the Paris Years
July 14 to November 6, 2016


Sorolla-giverny-2016-AJoaquín Sorolla
Instantané. Biarritz (détail), 1906
Madrid, Museo Sorolla, 776
© Madrid, Museo Sorolla


In 1906, Spanish painter Joaquín Sorolla exhibited for the first time at the galerie Georges Petit in Paris, one of the main impressionist galleries. The exhibition was a resounding success and helped establish Sorolla’s international reputation. His masterful rendering of light effects led critics to view Sorolla as an impressionist painter.

The exhibition “Sorolla and the Paris Years” demonstrates how he created a surprising, innovatory style in late 19th-century Paris. The musée des impressionnismes Giverny brings together around 100 paintings, including 50 oil sketches featuring landscapes, portraits and beach scenes, subjects for which he became famous.

Exhibition organized in collaboration with the Kunsthalle der-Hypo Kulturstiftung in Munich and the Museo Sorolla in Madrid.



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Degas, impressionist artist ?
March 27th – July 19th 2015


DEGAS-site-2015Edger Degas
Ballet dit aussi l’Étoile (détail)
Vers 1876. Paris musée d’Orsay.
© Paris musée d’Orsay / Photo : P Schmidt


Edgar Degas was one of the most important figures of the impressionist movement.However, he maintained a complex relationship with the other artists of the group as well as with the painting of outdoors, a characteristic of the impressionists.He concentrated his painting with more personal patterns, like the moving body of the dancers, giving a special attention to floodlighting.
The exhibition combines 70 works (paintings, pastels, drawings and sculptures) and centers around four main lines : the classical training of the artist,the impressionist exhibitions, the motive of the landscape, and his relationship with the impressionists after 1890.
Degas is certainly an impressionist, but above all forward-thinking.




Degas shared his social background with Manet, achieved his training and built his artistic experience in loneliness. He met Ingres at the school of the fine arts with whom he learnt how to draw lines according to nature and of memory .
Towards the year 1860, he visited his family in Naples and Florence, met a group of young colleagues of the Médicis Villa of Rome. The Belleli’s family dates from this period, a painting clearly inspired from his famous predecessors of the Renaissance.Degas studied and copied it for a long time.More than a portrait, it is an indoor scene where the protagonists are close by their attitudes and their glances, studied with attention. In 1860, after this stay, he met, through Manet and the critic Duranty, some impressionist painters and spent a lot of time in the café Guerbois.He took an active part in the exhibitions while being maintained away from the movement.Realistic, by vocation, endowed with a sharp spirit, Degas turned towards the lifestyle, social customs.He showed a great sensitivity fixing on the canvas some moments of the contemporary life with a remarkable ability expressing the psychology of the characters. Degas is characterized by the audacity of his framing and compositions in a high angle shots and low-angle shots .This gives a singular distortion of perspectives, and partly inspired by the Japanese prints and photography.His linear rhythms expresses an immediacy and a truth out of any conventions : race tracks, crowded cafés with a cabaret, dancers, milliners.Above all Degas favored dancers, getting undressed, warming up.He wished to fix a moment like a photograph.The unfinished framing gave to the observer the dynamism of the life without being isolated in the limit of the painting.


BBIn ” Chevaux de course devants les tribunes “, the rider, at the centre of the painting, penetrates the scene with energy, mounted on his horse which he can hardly bring under control, and draws a diagonal line (from the bottom right-hand corner), with the entangled legs of the horse. He reaches the centre of the painting, at the flight point, towards which the barrier separating the public from the race track converges. From 1870 to 1880, Degas focused on temporary life, on movement, in scenes of dancing. They are achieved with oil paint or pastel. The first painting ” the dancing class ” shows some dancers around an old ballet master, Jules Perrot.Like a photograph, the painting captures a fleeting moment. The framing, pointed out by the floorboards is influenced by the blooming (?) photograph of the beginning. Degas paints them with light touches of paint. The result is perfect on the tutus. His other favourite theme is female nudity. Without any sensuality he sets intimate and everyday gestures like the daily wash. His eye is an intrusive lens, it interferes with the intimacy of the private space. Degas is mainly interested in the act and in colour rendering. With the pastel he can obtain some very dissolved and fuzzy surfaces.

Degas experimented various artistic ways, he also devoted himself to oil painting, pastel, sculpture and engraving. His last production shows a series of monotypes of valleys and meadows, inspired by landscapes observed during a trip to Burgundy. The naked female having a wash and the dancers prevail in his sculptures, like the famous ” Petite Danseuse “of 14 years old, which caused a certain unrest. The wax model, shown at the impressionists’ exhibition of 1881, struck his contemporaries by the voluntary quest for ugliness. Indeed, in his female models, ironers (women ironing?) or dancers, Degas does not seek an ideal of grace or beauty, but the complexity of the human expressions and the variety of funny faces. He is completely in line with the anthropology studies conducted during that period . The contemporary critics and commentators had already noted how the aspects and the features of the faces of the many dancers illustrated by Degas were deteriorated and deformed, enough to describe them as cattle or simian. ” La Petite danseuse ” of 14 years old is thus called a female monkey and compared to an Aztec sculpture, which would rather have its place in a zoological museum than in a museum of art. Indeed Degas was influenced, like many of his contemporaries, by the fashionable theories which compared the human aspect to the animal aspect, and by the extraordinary ethnographic exhibitions of this period. Totally in line with a desire for aesthetics, Degas inserted surprising technical innovations in the sculpture : he preferred the composite material association : wax for the face ( instead of the marble-like finish), satin for the ribbon and tulle for the tutu. He opened the way with the mixtures of materials tested by the avant-garde. Degas used the pastel, with permanent variations, In 1946, in his History of impressionism the critic John Rewald wrote : “His pastels become fireworks with thousand colors, where each detail takes the form of a glittering material. ” Starting from the years 1880s, perhaps because of his declining eyesight, Degas refined his reflexion on the light and the chromatic sensitivity. The color prevails on the sharp contours and the profiles, until dissolving the forms. From 1890 until his death, Degas worked on the same topics, he was doing new research with deeper work on light, always with a free technique, in the form and the colours.

CCCANALYSIS OF THE PAINTING : L’ABSYNTHE (Edgar DEGAS, 1876, musée d’Orsay, Paris)

Degas decided to give an artistic impact to a scene in reference to alcoholism, in the Paris of the second half of the XIXe century.
He recreated with talent, a similar situation to those described in literary works of his contemporaries : Zola, Flaubert or the Goncourt brothers.
The artist chose ” La Nouvelle-Athenes “, a café of the Pigalle square, where the impressionists used to meet up in the evening.

Seated at the marble table,he painted two friends in the painful scenario and afflicting incommunicability : the actress Ellen Andrée played the poor child drowning her sorrows in alcohol, with, by her side, the artist engraver Marcellin Desboutin, an uncultured man, with bloodshot eyes (side effects of alcoholism and addiction to drugs). They are two witnesses of the bohemian life at that time.

The scene takes place in a Parisian bar, furnished with wooden benches, mirrors on the walls and bistro tables in a Liberty style.

The 2 customers are in the foreground. The man smokes a pipe, his elbows on the table. He looks thoughtful and pays attention to what is occurring in the bar.

However the eyes of his friend, are lost in thought.

The basic line, without any gradation of colors, plays a part in their expressionless suffering.

The oblique lines of the marble white tables, pioneering the theatre framing of Degas’ famous stage curtains, invite the observer to penetrate inside the painting as if he were sitting opposite two “absent” characters.

© Collection Le Figaro – Translated by Sandrine CHIFMAN

Photographier les jardins de Claude Monet. Cinq regards contemporains.
July 31 – November 1st 2015



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American Impressionism: A New Vision
March 28th – June 29th 2014

Image-13John Singer Sargent
Lady Agnew de Lochnaw (1865-1932), 1892 (détail)
Édimbourg, Scottish National Gallery, NG 1656
© National Galleries of Scotland / Photo : A. Reeve

Many American artists started adopting new impressionist techniques between 1880 and 1900. They then went on to develop their own impressionist visions. This exhibition includes 80 representative impressionist paintings by Cassatt, Chase, Hassam, Robinson, Sargent and Whistler among others. Exhibition organized by the musée des impressionnismes Giverny and the Terra Foundation for American Art in collaboration with the National Galleries of Scotland and the Museo Thyssen-Bornemisza. With the generous support of the Terra Foundation for American Art.

L’exposition rassemble plus de 60 tableaux peints en Europe et aux États-Unis entre les années 1880 et 1900. Elle débute avec des œuvres majeures peintes par les grandes figures d’expatriés que sont Mary Cassatt, John Singer Sargent et James A.M. Whistler. Il s’agit de mettre en évidence le rôle que ces Américains ont joué dans l’exploration des harmonies de couleurs claires et des compositions inédites élaborées au contact des impressionnistes français, tels Claude Monet et Edgar Degas. Parfois, l’assimilation des nouvelles techniques est plus progressive, comme le montrent Theodore Robinson et Childe Hassam à travers leurs vues de la campagne (Giverny) et des grandes villes (Paris, Boston, Chicago). Enfin, l’exposition présentera un ensemble d’artistes qui, à l’image de William Merritt Chase, ont su séduire le marché américain en adaptant les idées impressionnistes aux sujets américains : des rivages rugueux de la côte atlantique aux jardins publics new-yorkais, en passant par l’image de la femme américaine. De cette apparente diversité se dégage un courant impressionniste américain distinct, dont l’originalité pourrait se résumer ainsi : une nouvelle lumière pour un nouveau public.

Cette exposition est organisée par le musée des impressionnismes Giverny et la Terra Foundation for American Art, en collaboration avec la National Galleries of Scotland et le Museo Thyssen-Bornemisza. Avec le soutien généreux de la Terra Foundation for American Art.

Image-18Brussels, An Impressionist Capital
July 11th – November 2nd 2014

Emile Claus
La Levée des nasses, 1893 (détail)
© Bruxelles, musée d’Ixelles

Brussels was one of the first European cities to exhibit Impressionist and Neo-Impressionist art. Early paintings by Belgian artists such as Ensor or Van Rysselberghe tended to focus on Realism and accurate renderings of light and colour, but over the years they developed and imposed their own styles. Exposition organisée en collaboration avec le Musée d’Ixelles, Bruxelles Exhibition organized in collaboration with the Musée d’Ixelles, Brussels.

Terreau fertile de modernité, plaque tournante des avant-gardes européennes, la Belgique s’est distinguée avec éclat pour son effervescence culturelle au tournant des XIX et XX siècles. Tout en s’imprégnant des courants novateurs développés dans les principaux foyers artistiques européens – réalisme, naturalisme, impressionnisme, néo-impressionnisme, symbolisme –, les artistes belges ont livré une production artistique singulière occupant, aujourd’hui encore, une place de choix dans l’histoire de l’art à l’échelle internationale. L’exposition invite à découvrir cette période de foisonnement intense, animée notamment à Bruxelles par les cercles d’avant-garde des XIX et XX siècles et de la Libre Esthétique, et révèle les grandes mouvances de l’art belge : du réalisme au post-impressionnisme au gré d’un cheminement pictural dévoilant sa propension particulière à sublimer le réel et la lumière.

Cette exposition est organisée en collaboration avec le Musée d’Ixelles, Bruxelles.

March 28th – November 2nd 2014

Maurice Denis
Soleil blanc sur les blés, vers 1914
Huile sur toile, 29 × 34cm
Giverny, musée des impressionnismes, don de Claire Denis,
MDIG D 2012.6
© Giverny, musée des impressionnismes
photo : Thierry Leroy

This exhibition shows the impact Claude Monet had on his contemporaries and future generations. It highlights the influence of his work both in France and throughout the world, from Sisley to the community of American artists in Giverny and from Maurice Denis to Japanese painter Hiramatsu Reiji.

Le musée des impressionnismes présente, en marge de ses expositions, un accrochage centré autour de quelques tableaux de Claude Monet. L’esquisse de la collection du musée, associée à de généreux prêts d’œuvres, permet de mieux comprendre l’histoire de l’impressionnisme et du postimpressionnisme, et de montrer quels en ont été les développements en France et dans le monde. Sans oublier que ces mouvements artistiques, nés au cours d’une des périodes les plus riches de l’histoire de l’art français, restent une source d’inspiration pour de nombreux artistes aujourd’hui. Dans cette salle « Autour de Monet », les œuvres présentées pourront évoluer chaque année selon les prêts, mais le thème de l’accrochage restera inchangé. Ainsi, à chaque saison, les visiteurs auront le plaisir d’admirer, en plus de nos expositions temporaires, des œuvres sur ce thème impressionniste.

L’Impressionnisme et les Américains

Pour son cinquième anniversaire, le musée des impressionnismes Giverny, fidèle à ses missions, continue à dévoiler l’influence de l’impressionnisme à travers le monde. Pour le début de sa saison 2014, il s’associe à la Terra Foundation for American Art pour une exposition consacrée à l’art américain entre 1880 et 1900. Conçue en collaboration avec les National Galleries of Scotland (Édimbourg) et le Museo Thyssen-Bornemisza (Madrid), L’Impressionnisme et les Américains propose une exploration inédite de la pratique de l’impressionnisme chez les peintres américains des deux côtés de l’Atlantique. Du 28 mars au 29 juin 2014, à Giverny, pas moins de quatre-vingts oeuvres illustrent cette initiative originale. Parmi les peintures majeures des expatriés, certaines de Mary Cassatt, John Singer Sargent et James McNeill Whistler témoignent du rôle des artistes américains dans l’histoire de l’impressionnisme, tandis que d’autres exécutées à Giverny ou à Paris par Theodore Robinson et Childe Hassam révèlent une assimilation plus progressive des nouvelles techniques. Soigneusement sélectionnés, des tableaux de Claude Monet, Camille Pissarro et Edgar Degas attestent quant à eux
de moments d’échanges particuliers avec leurs homologues américains. L’exposition englobe également l’arrivée d mouvement outre-Atlantique : les oeuvres de William Meritt Chase, Edmund Tarbell, John Henry Twachtman et Frank Benson en offrent une vision originale à un nouveau public. Dès 1879, cinq ans seulement après la première exposition du groupe des impressionnistes, Cassatt expose avec ses représentants ; Sargent travaillent également à leurs côtés. Tous deux contribuent alors à définir les tendances de l’avantgarde. En revanche, des artistes américains plus jeunes découvrent l’impressionnisme à travers les toiles qu’ils peuvent admirer à Paris et, un peu plus tard, à Boston et à New York. Ce n’est qu’après 1890 que les peintres basés aux États-Unis commencent à appliquer les idées impressionnistes pour représenter des sujets clairement américains. Ils s’approprient certains aspects de l’impressionnisme – couleurs vives, touche fragmentée, sujets modernes – et en inventent d’autres en adaptant leurs styles respectifs au public des États-Unis. Cassatt, Sargent et Whistler, mais aussi d’autres artistes moins connus du public européen, comme William Merritt Chase, Childe Hassam, Edmund Tarbell ou John Henry Twachtman, ont passé de nombreuses années à enrichir leur travail, à l’occasion de voyages. Cosmopolites,
ils cherchaient l’inspiration et la reconnaissance aussi bien dans leur pays natal qu’à l’étranger.

Trois étapes en Europe

  • Musée des impressionnismes Giverny « L’Impressionnisme et les Américains » du 28 mars au 29 juin 2014
  • National Galleries of Scotland « American Impressionism: A New Vision, 1880-1900 » du 19 juillet au 19 octobre 2014
  • Museo Thyssen-Bornemisza « Impresionismo Americano » du 4 novembre 2014 au 1er février 2015

Cette exposition est organisée par le musée des impressionnismes Giverny et la Terra Foundation for American Art, en collaboration avec les National Galleries of Scotland et le Museo Thyssen-Bornemisza. Avec le soutien généreux de la Terra Foundation for American Art.

Sous le patronage de Madame Aurélie Filippetti, ministre de la Culture et de la Communication, et de l’Ambassade des États-Unis d’Amérique.

La Caisse d’Épargne Normandie est mécène de l’exposition.

En Europe

« Miss Mary Cassatt, elle, n’est pas allée à la mode, au genre applaudi, au succès, puisqu’elle est allée aux impressionnistes décriés. Une similitude de vision fut la cause de ce choix, et cette vision s’est agrandie, s’est faite de plus en plus attentive, la femme volontaire a vraiment appris à peindre. » Gustave Geffroy, La Vie Artistique, 3e série, Paris, Dentu, 1894, p. 277-278

Mary Cassatt et John Singer Sargent :
un impressionnisme cosmopolite

Seule artiste américaine à avoir exposé à Paris avec les impressionnistes, Mary Cassatt occupe une place de choix dans l’exposition. En 1886, Jeune fille à la fenêtre et Enfants sur la plage font partie des oeuvres présentées lors de la dernière exposition du groupe. Cassatt est l’amie d’Edgar Degas et de Camille Pissarro, à qui elle a acheté Femme au fichu vert. Loin de se contenter de collectionner des tableaux pour son propre compte, elle joue un grand rôle dans la promotion de l’impressionnisme français auprès des collectionneurs américains. John Singer Sargent est la deuxième figure majeure de l’exposition. Expatrié lui aussi, il expérimente les techniques impressionnistes pendant les années qu’il passe en France et en Grande-Bretagne. Malgré leur facture audacieuse et leurs sujets urbains modernes, Le Jardin du Luxembourg au crépuscule et Une jeune mendiante parisienne sont encore à la marge de l’impressionnisme : ce n’est que plusieurs années plus tard que l’artiste éclaircit sa palette et opte pour des compositions plus spontanées, peintes en plein air. Cette évolution découle de son amitié avec Claude Monet, dont il fait le portrait lors d’une visite à Giverny en 1885 : Claude Monet peignant à l’orée d’un bois (1885) représente le maître français travaillant à une toile qui a été identifiée – il s’agit de Prairie aux meules de foin près de Giverny, l’un des premiers tableaux de la série des Meules.

Giverny et Paris

En 1887, un groupe de jeunes peintres venus des États-Unis et du Canada s’installe à Giverny. Inspiré par Monet et par la lumière changeante de ce village de Normandie, Theodore Robinson, pour les paysages qu’il peint en plein air, adopte peu à peu la touche spontanée et la palette de couleurs vives propres aux impressionnistes. Ami de Monet, il voit souvent des tableaux du maître dans sa maison de Giverny. Au cours de ses années givernoises qu’il passe dans le même village, entre 1887 et 1891, John Leslie Breck apprend également au contact de Monet. Dans sa série d’esquisses de meules de foin directement inspirées de celles du peintre français, il s’exerce à saisir les fluctuations de la lumière. Quant à Childe Hassam, il découvre l’impressionnisme lors du séjour qu’il fait à Paris entre 1886 et 1889. C’est avec des tableaux comme Le Jour du Grand Prix, peint pour le Salon de 1888, qu’il commence à expérimenter des couleurs plus vives et des sujets plus modernes.

Aux États-Unis

« …il est intéressant d’observer à quel point l’impressionnisme est perceptible, à Paris, à Londres et à New York, parmi les jeunes artistes et comme tout miroite d’un éclat prismatique – dans les ciels et les mers d’opale, dans les paysages chatoyants où apparaissent d’étranges moissons délicatement colorées, et dans les portraits encore plus singuliers… »

W.H.W., What is Impressionism ?, Art Amateur 27, novembre 1892, p. 140.

Le retour aux États-Unis :
la recherche de sujetsaméricains

Au début des années 1890, les couleurs prismatiques, la touche fragmentée et les ombres mauves s’imposent dans les expositions organisées à New York, Philadelphie et Boston, et les critiques américains entreprennent d’expliquer le nouveau style. Les artistes rentrés aux États-Unis après avoir étudié en Europe pendant des années cherchent à adapter l’impressionnisme à leur nouveau public en choisissant des sujets de leur pays natal, surtout parmi ceux qui leur sont familiers. En 1887-1888, William Merritt Chase abandonne sa palette sombre pour créer une série de scènes de jardins publics aux couleurs vives. Dans les années 1890, pendant les étés qu’il passe sur la côte de Long Island, il poursuit dans cette voie en travaillant en plein air : ses tableaux lumineux représentent des femmes et des enfants occupés à leurs loisirs. Childe Hassam, Theodore Robinson et Dennis Miller Bunker, peignent quant à eux New York, les villages de Nouvelle- Angleterre et la côte du Maine avec des couleurs éclatantes et une facture libre. Comme les impressionnistes français, ils s’intéressent surtout à traduire la fugacité.

Robes blanches sous le soleil d’été

À la fin du xixe siècle, pendant le Gilded Age (l’âge d’or américain), les femmes et les enfants sont souvent vêtus de blanc en signe de pureté et d’innocence. Le blanc lumineux attire notamment Cecilia Beaux et John Singer Sargent. Ces grands pans de tissu sont alors un objet d’exploration artistique. Edmund Tarbell et Frank Benson accentuent la luminosité des robes blanches en faisant poser leurs modèles sous un éclatant soleil d’été. Lorsque Tarbell présente Au verger à l’Exposition universelle de 1893, organisée à Chicago, sa toile est applaudie pour l’« américanité » qui y est perçue. Quant aux femmes et aux jeunes filles rayonnantes de santé peintes en plein air par Benson, elles incarnent un nouvel idéal, celui de la femme du XXe siècle.

Un impressionnisme « whistlérien »

Même s’il passe la plus grande partie de sa vie en Europe – comme Sargent – James McNeill Whistler conserve la citoyenneté américaine. Avec ses tableaux insolites et éthérés, qui portent des titres comme Harmonies ou Nocturnes, il crée un style nouveau. À la fin des années 1860 et au début des années 1870, alors qu’il travaille à Londres, il peint des nocturnes monochromes d’une facture extrêmement lisse et mince. Bien qu’antérieurs à l’impressionnisme, des tableaux comme Nocturne en bleu et argent – Chelsea (1871) ont influencé d’innombrables peintres britanniques, français et américains. En 1886, lorsque John Henry Twachtman s’installe à la campagne, dans le Connecticut, il puise l’inspiration chez Whistler et dans les paysages de neige des impressionnistes. Il développe ainsi son propre style : la blancheur de la neige lui permet d’associer la perception à l’émotion et de produire des toiles mystiques qui sont autant de reflets de sa vie intérieure.


  • Atlanta, Georgia, High Museum of Art
  • Boston, Massachussetts, Museum of Fine Arts
  • Brooklyn, New York, Brooklyn Museum
  • Chicago, Illinois, Terra Foundation for American Art
  • Hartford, Connecticut, Wadsworth Atheneum Museum of Art
  • Indianapolis, Indiana, Indianapolis Museum of Art
  • Milwaukee, Wisconsin, Milwaukee Art Museum
  • Minneapolis, Minnesota, Minneapolis Institute of Arts
  • New Britain, Connecticut, New Britain Museum of American Art
  • New York, New York, The Metropolitan Museum of Art
  • Northampton, Massachusetts, Smith College Museum of Art
  • Philadelphia, Pennsylvania, Philadelphia Museum of Art
  • Philadelphia, Pennsylvania, Pennsylvania Academy of the Fine Arts
  • Providence, Museum of Art, Rhode Island School of Design
  • Rochester, New York, Memorial Art Gallery, University of Rochester
  • Toledo, Ohio, Toledo Museum of Art
  • Tulsa, Oklahoma, Gilcrease Museum
  • Washington, Corcoran Gallery of Art
  • Washington, House Collection Dumbarton Oaks
  • Washington, National Gallery of Art
  • Washington, Smithsonian American Art Museum
  • Water Mill, New York, Parrish Art Museum
  • Waterville, Maine, Colby College Museum of Art



  • Bilbao, Museo de Bellas Artes
  • Madrid, Museo Thyssen-Bornemisza
  • Madrid, Collection Carmen Thyssen-Bornemisza


  • Montpellier, musée Fabre
  • Paris, musée d’Orsay
  • Paris, Petit Palais, musée des Beaux Arts de la ville de Paris


  • Édimbourg, National Galleries of Scotland
  • Londres, Tate


Hiramatsu, le bassin aux nymphéas. Hommage à Monet. Du 13 juillet au 31 octobre 2013 L’art japonais n’a pas été sans influencer Claude Monet comme l’atteste sa collection d’estampes japonaises que l’on peut aujourd’hui admirer dans sa maison à Giverny. L’exposition « Hiramatsu, le bassin aux nymphéas. Hommage à Monet » montrera que, tout comme les estampes japonaises furent pour les impressionnistes une façon d’introduire une nouvelle philosophie de l’espace et de la lumière, les toiles de Monet représentent une source d’inspiration créatrice pour Hiramatsu Reiji.
Hiramatsu Reiji
Dessin de nénuphars et Jeu
© Hiramatsu Reiji. Collection particulière

Ce peintre japonais, né à Tokyo en 1941, visite Paris pour la première fois en 1994 et découvre les Nymphéas à l’Orangerie. Il se plait alors à marcher sur les traces du maître français dont il visite le jardin à Giverny. Plus de vingt tableaux et paravents peints selon la technique traditionnelle du nihonga, alliant tradition et modernité, seront réunis. Ces oeuvres seront associées à des oeuvres de Claude Monet, et à une sélection d’estampes japonaises, de Hokusai à Hiroshige.
Hiramatsu Reiji
Reflet de nuage doré
© Hiramatsu Reiji. Collection particulière.
Conférence « Le retour du japonisme au pays »
Le samedi 20 juillet à 15h30 par Hiramatsu Reiji, artiste-peintre. Conférence organisée par la Maison de la culture du Japon et l’Ambassade du Japon en France.
Le peintre de Nihonga, Hiramatsu Reiji, évoquera l’intérêt des artistes occidentaux pour l’art japonais

Giverny musée des impressionnismes 2013. Signac, les couleurs de l’eau. Du 29 mars au 2 juillet 2013. Dans le cadre de la seconde édition du festival Normandie Impressionniste consacrée au thème de l’eau, le musée des impressionnismes Giverny organise une exposition « Signac, les couleurs de l’eau ». Comme Claude Monet, Paul Signac a trouvé une source d’inspiration constante dans l’évocation de l’eau et de ses couleurs. Depuis les premières marines peintes sur le littoral normand avec une vigueur et une liberté impressionnistes jusqu’aux amples architectures portuaires aux couleurs vives d’après-guerre, la description de l’eau et du ciel offrirent à Signac un inépuisable prétexte à multiplier les variations chromatiques.
Paul Signac (1863-1935)
Voiles et pins, 1896
© Collection particulière

L’exposition comptera cent vingt oeuvres environ, peintures, aquarelles et dessins. Elle sera complétée par une riche section documentaire (photographies, publications et correspondances) présentée avec le concours des Archives Signac.
Paul Signac (1863-1935)
Les Andelys, la berge, 1886
Paris, musée d’Orsay. © Musée d’Orsay / Hervé Lewandowski